Recomeço a escrever aqui sob um discurso de Agnaldo Farias e Moacir dos Anjos para o tema da última Bienal Internacional das Artes de São Paulo, a 29a, que foi Arte e Política. Porém, fujo um pouco da Arte e vou para a Política. Apesar de até agora esse blog ter feito em função de anúncios e reflexões sobre Arte, a minha última experiência pessoal trabalhando na Bienal, me fez perceber a importância da discussão política.

Arte E Política na obra de Cildo Meireles - "Quem Matou Herzog?"

E neste discurso dos dois curadores da última Bienal, admito que não só aceito como também concordo. Mas, como sempre é de se esperar as exclamações, este foi um dos maiores alvos de discordância do público e crítica. Não sei se Arte e Política foi interpretada como panfletária, mas algo não agradou, muitas pessoas “fugiam da raia” e se incomodavam profundamente com essa “mistura”. O que me parece, é que as pessoas, e nela incluo os brasileiros, fogem da discussão política.

De fato, essa própria discussão política não é algo ao alcance das pessoas. A discussão é completamente passiva, vemos em debates na TV, na internet, jornais, mas é quase nula a oportunidade de cidadãos sentarem e, além de terem o direito de opinião, terem o direito de serem ouvidos. O que acaba acontecendo é um dos fenômenos recentes e muito do curioso, que são as pessoas se escandalizando via twitter. Vemos muitos comentando, chegando aos “Topics Trendings”, vira até notícia e acaba.
A partir desse próprio fenômeno, ouso reforçar a ideia de que uma discussão política sem acesso desestimula a sociedade. Ouvimos o discurso de que “nem adianta mais discutir política” ou que as coisas “não tem mais jeito”. Então, o máximo que acontece são 140 caracteres inconformados, sentados numa cadeira e…só.

Não era de se surpreender então que numa Bienal de Artes com o tal tema, houvesse tanta repulsa. Política é chato, sem solução, não tem mais jeito e por aí vai. Não tem porque pensar sobre isso e criar alguma reflexão. Dói demais ou é de grande preguiça entender porque o artista Ronald Duarte esguichou tinta vermelha nas ruas do Rio de Janeiro [ http://bit.ly/gsKDlo ] ou porque Gil Vicente enfiou uma faca no pescoço do Lula [ http://bit.ly/eBpeIE ] – o máximo é achar tudo isso muito legal e alternativo, sem pensar o que existe dentro ou por trás deste discurso.

Na verdade, acho que é de se surpreender sim. Quando finalmente convidam as pessoas a refletirem e terem algo a dizer sobre Política, todos fogem.
Não, não é de se surpreender. Mesmo assim, ainda é triste. Ver essa geração criada para não pensar, para ser cômoda e achar que todas as coisas estão bonitas. E quando não estão, dizerem “ah, não tem jeito…”.

Será mesmo que Há sempre um copo de mar para um homem navegar? Se há, esses homens estão o usando para se afogar.

Em uma das obras mais polêmicas da 29a Bienal de São Paulo, a Inimigos Públicos do artista Gil Vicente não foi diferente. Desde o incômodo da OAB que tentou retirar a obra – mas não foi efetivado por ser uma tentativa de censura – até o público que aplaude ou se indigna com as cenas, a obra cumpre seu papel de arte ao cutucar o âmago e moralismo alheio.

Inimigos Públicos, do artista Gil Vicente

Certo dia, eu estava acompanhando um grupo de EJA – Educação para Jovens e Adultos, e achei relevante levá-los para ver essa obra. A reação de muitos do grupo era que as imagens incitavam violência e que “pessoas de cabeça fraca” não interpretariam a obra como um extermínio ideológico. Até que uma senhora me falou “Eu não gostei. Porque ninguém tem direito de matar ninguém, nem esse homem do quadro” (o homem retratado que “mata” é o próprio Gil Vicente). Logo eu perguntei e se não fosse morte física, sim de poder. Ela disse que “aí tudo bem”.

Depois disso me arrependi muito por não ter pensado naquele momento na obra Seja marginal, seja herói do falecido artista Hélio Oiticica. A obra que retrata o traficante morto Cara de Cavalo em 1965, conversa diretamente com os Inimigos. Enquanto satisfazemos nosso espanto com o sistema e os processos de poder no Brasil “matando” os que ali estiveram sob o comando, a polícia do Rio de Janeiro matou “bem matado” o bandido. O que Oitica quis mostrar, é que ali não foi apenas uma morte para exterminar um bandido, mas um assassinato cruel e coberto de ódio.

Seja marginal, seja herói - na Bienal o tecido é branco

Não muito diferente de hoje, os jornais da época retrataram a morte do traficante com sensacionalismo e exaltação não só do fim de um traficante, mas como toda a comunidade da favela que vive a margem. Assim Hélio disse:

“Quando digo “posição à margem” quero algo semelhante a esse conceito de Marcuse: não se trata da gratuidade marginal ou de querer ser marginal à força, mas sim colocar no sentido social bem claro a posição do criador, que não só denuncia uma sociedade alienada de si mesma mas propõe, por uma posição permanentemente crítica, a desmistificação dos mitos da classe dominante, das forças da repressão”

O artista via marginal como o “à margem de tudo, o que me dá surpreendente liberdade de ação”. E então colocando as duas obras em diálogo, perguntamos: Esse tal direito de não tirar a vida, caberia também ao Cara de Cavalo? O traficante que subverte um sistema “correto” estaria no mesmo patamar que políticos e líderes que rejeitam, ignoram e fazem da sociedade, a quem eles deveriam servir, um grande bando de conformados ridicularizados? Será que ambos prejudicam as pessoas da mesma forma?

E hoje, Gil Vicente é nosso herói?

Nada melhor para pensar melhor do que visitar a 29a Bienal:

Parque do Ibirapuera, Pavilhão Bienal – Av. Pedro Álvares Cabral s/n, Portão Ciccillo Matarazzo. Até 12 de Dezembro. Entrada Franca.

O filme consiste em um documentário muito leve, sem historicidade. A ideia é apresentar Cildo, suas obras e seus pensamentos. O artista da depoimentos,que mais são encarados como uma divagação sobre diversas questões, não somente sobre arte contemporânea. As suas obras são apresentadas no processo de montagem e em exposição, em lugares como o Instituto Cultural Inhotim (Brumadinho – MG) e no Tate Modern (Londres).
Não querendo substituir a observação de uma obra de arte ao vivo pelo cinema, o tempo estático nas obras como Marulho, Desvio para o Vermelho e Babel são praticamente perfeitas. Não é pouco mas também não é o bastante, chegando ao ponto de desejar ardentemente ver a obra pessoalmente. Os tempos de filmagem das instalações parecem estarem em sintonia com o tempo em que Cildo fala, suas pausas e vírgulas.

Cildo Meireles é poético. Compara sua ideia de Arte com à ação de uma malabarista, onde precisa fazer três objetos caberem em um território adequado para apenas dois deles, e que a única forma de conciliar o descompasso é através do conceito de tempo, que permite um dos malabares ficarem suspensos no ar, em rodízio constante entre duas mãos sempre ocupadas. Isso se da suas constantes críticas ao espaço, o tempo, a física e a política.

Dirigido por Gustavo Rosa de Moura, o mesmo fala que quando convidado para produzir um filme da série “Retratos Contemporâneos da Arte“, pensou em Cildo Meireles. Afirma que sempre que via suas obras pensava que era algo muito bom para ser filmado e explorado cinematograficamente, além da admiração pelo artista.

Esse artista é um dos mais conceituados na Arte Contemporânea com suas diversas e grandes instalações. Percorre Brasil e mundo com suas obras e já nos convence sua arte com sua explicação de porque decidiu pelas Artes, nos primeiros minutos de filme. Sua obra mais inédita, a Abajur, poderá ser vista na 29a Bienal de São Paulo, prometendo o grande impacto. Algo que eu, particularmente, gostaria muito de vê-lo falando.

CILDO – Nos cinemas de São Paulo a partir de 24 de setembro/2010.

O filme conta a história de Elvira (Ana Lucia Torre) uma senhora simples e com uma vida aparentemente tranquila. No início, a personagem vai a polícia notificar o desaparecimento de seu marido. Logo vemos a mesma conversando com o seu liquidificador, dublado por Selton Mello, contando das suas aflições ao mesmo tempo que prepara suas vitaminas. A partir daí o liquidificador narra a história desde o começo: quando Elvira e seu marido Onofre (Germano Haiut) trabalhavam em uma lanchonete, a hélice do liquidicador quebra e precisa ser trocada. O objeto ganha a nova hélice e acaba adquirindo consciência.

A consciência do liquidificador traz as mais interessantes reflexões entre o pensamento humano paralelo a condição de objeto. Algumas imagens que fixam na parede, cortinas ou em um simples despertador, nos fazem refletir em como seriam objetos-pensantes. Ao mesmo tempo, o eletrodoméstico reflete na loucura e beleza de ter a condição de pensar. Se o mesmo considera uma dádiva, não sabemos, mas afirma que não gostaria de deixar de ter a tal consciência e a capacidade de entender situações.
Enquanto isso, a pacata Elvira nos surpreende com uma estranha habilidade em empalhar animais, que aprendeu com seu pai na infância. A partir daí, mergulha-se num mistério exclamativo e cômico das condições humanas: Elvira se revela muito mais agitada do que imaginamos em dada situação.

Ana Lucia Torre foi extremamente feliz em seu papel. Mais além, temos Aramis Trindade no papel de Fuinha, o policial que investiga o caso de seu marido: um personagem bem caricaturista que nos questiona onde está o louco – parafraseando Arnaldo Baptista “mas louco é quem me diz” – entendemos até onde as suas “viagens” colaboram com seu trabalho na investigação.
Dirigido por André Klotzel a partir de um roteiro de José Antonio de Souza, Reflexões de um Liquidificador tem muito a entreter e ensinar. Melhor ainda, engraçado e que nos faz moer…digo, pensar!

Filme Reflexões de um Liquidificador – Espaço Unibanco 3 – Rua Augusta, 1475 – São Paulo. As sessões contam com a exibição de um curta-metragem no início. Preços variam de 2 a 16 reais, dependendo dos dias, horários e se o espectador paga meia.

Um dos artistas que irão delinear percursos, os chamados terreiros, é o CADA – Colectivo Acciones de Arte, um grupo chileno que se manteve ativo entre 1979 a 1983. Um dos grupos mais expressivos do movimento Escena Avanzada, do período pós-golpe militar de 11 de setembro de 1973 no Chile, foi constituído por sociólogos, escritores, poetas, artistas plásticos – entre eles Fernando Balcells, Diamela Eltit, Raúl Zurita, Lotty Roselfeld e Juan Castillo. O Coletivo desejava unir Arte e Vida, aproximar a obra do espectador através de performances políticas e subversivas, que protestavam a Ditadura e o que dela desencadeava.
Uma de suas intervenções foi o símbolo NO+ grafitado pelas paredes e que ganhou grande repercurssão: muitos anônimos completavam as frases como “NO+ represión”, “NO+ tortura”. O CADA procurava por alterar a rotina e não tornar conformista a realidade da época.

A chilena nascida em Santiago Lotty Rosenfeld, artista pertencente ao grupo na época, ainda é uma artista ativa e recebe inúmeros prêmios por seus trabalhos. A respeito do grupo CADA e sua presença na Bienal de São Paulo, Lotty, muito generosa, me concendeu uma entrevista por e-mail: 

Bárbara Ariola: O Grupo CADA com suas performances e execuções, fez com que muitas pessoas prestassem mais atenção a situação política do Chile naquela época. Um símbolo disso era o NO+ que se adaptou a diversas manifestações. O que você pensa quando o viu tendo efeito? Fez a diferença nos tempos de repressão?

Lotty Rosenfeld: Quando o NO+ foi se registrando pela cidade mostrou a realidade de supertinência e sua materialização em um espaço coletivo. Esse processo de massificação do signo colocou o CADA em uma esfera vibrante e, por suas vez, mostrou que esse signo do CADA circulava e pertencia a um aparato social. Como signo social formou parte das práticas ativas contra a ditadura.

BA: O governo ditador estava preocupado com algum tipo de intervenção do grupo?

LR: Não do grupo em particular, mas do conjunto de movimentos que puderam apelar a respostas antiditatoriais.

BA: A 29ª edição da Bienal de São Paulo tem como tema Arte e Política. Os movimentos do CADA são claramente políticos, coincidindo-os. Apesar de ser uma exposição de Arte Contemporânea e o Chile não ser mais uma ditadura, é importante resgatar à todos aqueles tempos e como a Arte pode atuar. Diga sua opinião sobre a importância de levar esses temas a tona numa exposição de Arte Contemporânea:

LR: O CADA é uma memória da relação entre Arte e Política porque pôs em circulação uma poética de resistência na cidade, que mobilizou e se expandiu de uma maneira rizomática. Nesse sentido pensamos que o CADA em sua articulação, reúne estéticas diversas que em seu conjunto contam não só de um passado recente – a ditadura chilena – mas também põe em manifesto a relevância dos coletivos.

BA: Como você acha que poderiam mediar as performances do CADA para o público? E para as crianças e os adolescentes?

LR: Esse será um trabalho pedagógico que os especialistas deveriam fazer.

BA: Conhece algum grupo atual (chilenos ou não) que atuam de maneira similar que o CADA?

LR: Neste momento a Arte está envolvida por um mercado regido de fatores econômicos provenientes de um modelo neoliberal. Porém, há de se esperar.

BA: O trabalho que você faz segue a mesma ideologia do CADA?

LR: Assim é, eu diria que é minha grande referência. O modo em que intervenho na cidade é bastante específico, trabalho sobre uma economia política dos signos em um contexto de violência, de censura e de repressão (que através dos anos se manifesta de diversas formas tanto no Chile como no exterior). Eu faço um gesto radical que significa transformar o que poderia parecer (metaforicamente) um caminho traçado, é um gesto de desprezo que diz não a um caminho traçado singularmente a um caminho pré-determinado.

BA: Por último, o que você gostaria que as pessoas refletissem sobre as ações do grupo CADA, a Arte-Vida na 29ª Bienal? Especialmente para os jovens que não viveram a época das ditaduras na América Latina, qual a importância de viver essa memória?

LR: O encontro da obra CADA com o público deve gerar suas próprias relações e suas conexões particulares. É evidente que os jovens irão compreender essa obra porque recorre aos signos do desconforto e da manifestação. Esse desconforto e essas manifestações estão completamente vigentes em diversos aspectos das sociedades atuais. A memória é relembrar momentos e situações, a latência repetição da violência que se desencadeia diante da ganância por concentrar e acumular capital a custa do sofrimento da unidade social.

O CADA guarda ainda muitas reflexões. Até o fim de setembro!

– Vídeo de uma intervenção de Lotty Rosenfeld, o “Una milla de cruces sobre el pavimento”, 1979.
  

Keith Haring a frente de suas criações

Às vezes entrar num espaço expositivo sem saber muitas coisas sobre o artista e seu trabalho, pode ser algo interessante. Livra-se dos preconceitos, dos títulos, em que “gavetinha” da arte está e acaba com a observação quando se admira. Assim aconteceu comigo e Keith Haring. Poucas coisas sobre ele habitavam minha mente, então entrei despoluída, ingênua como criança.

Claro, impossível não fazer a associação: aquelas imagens de pessoinhas coloridas já tinham atingido minha retina. Onde? Dezembro de 2008, show da Madonna, em sua turnê Stick&Sweet que passou por São Paulo. Depois li algo sobre Haring pós o fenômeno Pop Art, Andy Warhol. Alguma sensibilidade menos política e mais urbana ocupavam aquelas paredes brancas. Vendo aquela paisagem de cores e as “aspas” que acompanham os personagenzinhos, entrei sem querer numa euforia silenciosa.

Vendo o espaço expositivo não apenas para ilustrar obras mas também como uma experiência completa de tempo-espaço-personagens, vi uma imagem tão estética quanto peculiar: em um quadro onde um de seus personagens grávido verde de bolinhas pink e carregados por pessoinhas amarelo-fluorescente se destacava de um fundo preto. O quadro virado para a Avenida Paulista, refletia neste fundo preto as pessoas passando pela calçada. Nada mais urbano. Pensei se essas imagens ficaria melhores em um muro. (seria proposital?)

A série Apocalypse de Willians Burroughs e Keith, em 1988 é o maior jogo possível de observação. Nenhuma linha se desencontra. E os desenhos me lembraram exercícios do primário, onde alguém desenha, passa adiante e outro desenha por cima. Duas ideias, dois traços e duas pirações perfeitas. Em Apocalypse, se vê Monalisa com os olhos em forma de “X”. Bonito e assustador paralelo: o fim do mundo é o fim da Arte.

Enfim, sob a série que me arrancou risos, The Blueprint Drawings, a seguinte frase, pelo próprio: “Toda vez que crio alguma coisa, penso nas pessoas que vão  vê-la e toda vez que vejo alguma coisa, penso na pessoa que criou”. Sem conhecê-lo, sem teoriza-lo, pensei em Keith Haring. Atrás do rosto gentil e os traços frenéticos vislumbrei algo bom, algo fértil. Pensei no artista. Tirei impressões, e a experiência pura da Arte ali se concretizou.

Esta divulgação da exposição de Keith Haring ficará somente nas impressões. Se alguém mais viu/ver, comente aqui os sentimentos!

Keith Haring, Caixa Cultural da AVenida Paulista, próximo ao metrô Consolação – SP. Até 5 de Setembro. Entrada Franca.

O diferencial da mostra será, provavelmente, os olhares plurais: sensibilidades artísticas nas mesmas paredes que olhares estrangeiros. Cada um com uma ação conceitual, seja ela por exploração da técnica, a formalidade da estética de cores e luzes, seja um projeto documental ou a apresentação de uma realidade. Quem ganha é o espectador, leigo ou especialista: um Brasil conhecido, desconhecido, próximo e distante apresentado numa das mais belas formas de expressão artística.

A Coleção na sua 18ª edição, conta com 70 obras de fotógrafos de São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pará e o norte-americano George Leary Love – com trabalhos na São Paulo da década de 60 e 90. Além disso, um dos nomes presentes será Guy Veloso, artista paraense selecionado para 29ª Bienal de São Paulo.

Fotografia de Guy Veloso (img: portifólio do artista)

Desde 1990 a Pirelli S.A., empresa de tradição com a fotografia, junto com Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand trabalham nesta Coleção. Com a responsabilidade não apenas de divulgar o que está sendo produzido na Fotografia Contemporânea mas também criar referências culturais, pensamentos críticos e reflexões. Compromisso inegável para amantes da Arte e Fotografia.

Museu de Arte de São Paulo – MASP, Av. Paulista, próximo ao metrô Trianon-MASP. De 12 de Agosto a 03 de Outubro. Terças, Quartas, Sextas, Sábados e Domingos das 11h às 18h. Quintas das 11h às 20h. Entrada: 15 reais, Estudantes 7 reais, menores de 10 e maiores de 60 não pagam. As Terças: Entrada Franca.

Pintura noturna de Jan Siebert, 2010 (img: portifólio do artista)

É nesta noite que Jan Siebert pinta. Uma sensibilidade estrangeira paira sobre o contraste das tintas nas telas e ele retrata a vida, as pessoas, personagens urbanos. Quando o sol vai embora e todos correm pra suas casas para descansar, Siebert vê possibilidade de se aproximar destes “personas”. Não existe quase nada de correção, lá está a realidade de uma capital Paulista, do litoral de Santos e da cidade maravilhosa (será que é assim que está retratada?) Rio de Janeiro.

Numa tela intacta é possível ouvir com os olhos uma narrativa. Representa em traços fortes a noite-a-noite de quem está nas ruas deste período. As imagens convidam a conhecer o que está lá fora quando não estamos vendo. Quem sofre a noite sem comida ou quem expõe o corpo para conseguir dinheiro para comer. Como ficam os concretos, as rachaduras numa construção na penumbra? Stieber conferiu.

Sua observação muito individual coloca novamente em pauta: o olhar de um estrangeiro. Às vezes, muito mais sensível de nós, que já está batido a mesma paisagem e não se tem a curiosidade de decodificá-la. Podemos nos sensibilizar com sua obra a tal ponto que, ao sair do espaço expositivo, olharemos com menos pudor o nosso lugar?

Jan Siebert – Aquém do Concreto. MuBE – Museu Brasileiro da Escultura, Av. Europa, 218 – SP. De 06 a 22 de Agosto, de terça a domingo das 10h as 19h. Entrada Franca.

A FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, vem com uma exposição de instalações interativas, jogos, maquinemas, internet, performances e

FILE 2010 (img: divulgação file site)

workshops. O objetivo é mostrar como as linguagens digitais podem interagir e surtir efeitos em nós. Estimulando o sensorial, tato e aguçando o ouvido, o ali exposto que de primeira impressão parece muito robotizado e material, acaba se tornando uma experiência estética, onde a “obra” e o indivíduo precisam um do outro para efetuar tal experiência.

Uma das novidades deste ano é o FILE PRIX LUX, prêmio internacional destinado a profissionais (ou artistas!) que utilizam das linguagens eletrônico-digitais. Entre eles estão os brasileiros Rejane Cantoni & Leonardo Crescenti, que criaram o PISO, uma chapa de aço no qual as pessoas podem se deitar e que se levanta ao longo do percurso (quem esteve nas edições anteriores, como a de 2008, pôde conferir. [ http://www.youtube.com/v/B50dPjvbCP0 ])

Porém, o que esteve realmente guardado e promete tirar bons resultados é o FILE PAI – Paulista Avenida Interativa ou Arte Pública Interativa, nada mais que Arte Digital espalhada pela avenida mais movimentada de São Paulo. Os pontos estão no Metrô Brigadeiro, Paraíso, Trianon-MASP, Consolação, na FNAC, SESI, Conjunto Nacional, Instituto Cervantes e no vão do MASP, além de um ônibus chamado “Omnibusonia Paulista” um ônibus sônico com uma base sonora contínua, que dialogará com as inserções arquitetônicas do percurso. A intenção é que essas inserções sonoras incluam uma memória material. Outras exposições do FILE PAI, como o “Infinito ao Cubo” no MASP, afirma que a compreensão do infinito é impossível.

A FILE que tem entrada gratuita, agora também põe na rua a sua Arte. Em uma Avenida onde passam tantas pessoas, há tantas ações, decisões e corre-corre, será que é essa Arte que vai fazer as pessoas pararem por alguns minutos, nem que seja depois do expediente, para ter uma experiência sensível não apenas com a Arte, mas consigo mesmo? Estas obras, como já dito antes, precisam das pessoas para existir. Esperamos que novas reflexões sejam feitas durante o período de exposição e, com a mágica da Arte, depois também!

Centro Cultural Ruth Cardoso (FIESP), Avenida Paulista – próximo ao metrô Trianon-MASP. 27 de julho a 29 de agosto/2010. Segunda das 11h às 20h, Terça a Sábado das 10h às 20h e Domingo das 10h às 19h. Entrada gratuita.

O Grupo Delírio Cia de Teatro montou uma ficção baseada em fatos reais na vida do alemão. A partir de um estudo de sua vida, de suas obras e registros, foi montada a peça “Kafka – Escrever um sono mais profundo do que a morte”. O título da peça é referente como Franz Kafka via, que o ato de escrever era “doloroso”.

Na peça é apresentada a vida do menino que vive sob essa forte mente e raciocínio e com um pai repressor. A criança se refugia na cozinha de sua casa, na cidade de Praga, para viver em seu mundo, pensamentos e sonhos. Os atores abusam da boa interpretação e expressão para trazer o público a uma possível realidade da infância deste grande autor. Podemos observar que grandes mentes que deixaram ótimos legados para nós usufruirmos, obviamente também foram crianças e que essa fase não pode ser dispensável para analisar o processo de criação de um artista. Muitas vezes a infância é o ponto culminante para a genialidade da obra.

Kafka renovou a literatura alemã ao escrever suas obras. Formado em Direito, o autor que não teve reconhecimento em sua época, teve seus livros publicados após sua morte pelo seu amigo Max Brod. Entre elas, os destaques O Castelo e A Metamorfose. Essas obras mostram a impotência do ser humano em relação aos sistemas que nivelam o mundo – lugar onde vê uma projeção de seus desejos.

Caixa Cultural Sé, Praça da Sé. 23, 24 e 25 de Julho às 19h.